地下铁

好久没来了

好久没下新歌了，这张民谣还真他妈的不错

如何认识和运用OSB板
德国Kronoply OSB板是在欧洲人造板业规模较大的木业集团公司，是以品牌占据整个欧洲市场。无论从资金、科研开发、设备，都是占欧洲同行业前位，该集团有一百多年木制品生产加工历史，产品涵盖了木制品加工的各个领域，并畅销全球９0多个国家。
Kronoply OSB板制造过程，首先将结构细致、纤维纹理直的新鲜松树去皮，顺木纹方向切成具有一定几何形状的刨片，经干燥并施加本集团公司生产的合成树脂胶（PMDI）和防水剂，模拟天然木材的纤维排列方向经定向铺装成后，再经200度高温压制成的一种人造工程结构板材。
Kronoply OSB板可以运用在当今的家装、工装、家具等领域。她不同于其他板材，能在原板面上制作出各种不同的色彩和风格。尤其是她原有的木片纹理和凹凸表面机理及具有装饰性。（我能用这样的语句形容：“是一块有灵气的板材。”）非常具有可塑性。
Kronoply OSB板的原板粗看上去并没有特别的面貌和吸引的地方。（如一个人相貌平平，甚至还给人们误解为制造普通）但实际上她的优越性和环保性远远超出了我们的想象。大家都知道，木材最大的毛病就是要走形，开裂。如果能把板材这两大毛病修正，那他的成本非常高，所以涉及的领域相应比较小，制作出来的家具等价格相应比较高。然而OSB板的制造过程中用现代科技纠正了这两大毛病，而且涉及领域广泛。比如，制作家具、装饰、地板、楼梯、门窗、钢琴、沙发、墙体、建筑、包装等。特别在环保和防潮性能上又是这块板材的优点。在欧洲９0多个国家广泛运用。
有关Kronoply OSB板在装修装饰制作过程中，实际上与传统的细木工板、多层板、指接板、密度板制作是一样的。Kronoply OSB板可以任意切割、开洞、造型，在家具的收边方法有两个。第一，用薄皮收边；第二，用实木收边（采用白榉、白木、水曲柳）因为Kronoply OSB板的素板色与上述收边木质色彩相近，在油漆前用色浆刷底上色没有较大差别。
另外在设计家具中如比较宽的边与脚（5公分～8公分）这时可用9mm～12的Kronoply OSB板用45°对角制作，在整体上就变成了较厚的板面，非常完美整体。无论你设计现代时尚，简约和新古典主义家具都无所不能，特别的可塑性制作背景更是色彩丰富，具有装饰性的自然主义风格和乡村风格。
在制作凳子和茶几、花架、花筒，休闲木制沙发等OSB板同样能造型设计，但要记住Kronoply OSB板是一块平面板材，在造型上必须遵照板式家具设计，运用其平面设计出比较柔和的线条和造型，塑造主要变化的几何形态设计结构。
我在这里可以讲几个设计案例供大家参考：
餐凳□□ 沙发□□ 休闲凳□□ 茶几□□ 花架□□ 插花桶□□
仿古案几□□ 仿古凳子□□
做为原创尽可发挥你们的想象力。
Kronoply OSB板制作装饰背景、墙面、柱子假梁、结构、货架设计运用方案。
一块Kronoply OSB板其表面机理非常完美，在油漆上讲（一种是开放式油漆，一种是封密色油漆）开放式又称为是浮雕面，在原板上用色浆（大宝的擦得丽）调好你所设计的颜色在Kronoply OSB板面上擦涂，干后用底漆封两边，上面漆两遍即可，制作非常简易。一件浮雕面家具就此完成。封密式油漆，先用老粉掺入色浆，801胶水调好你设计的颜色在Kronoply OSB板表面批平，干后用砂皮（磨光机）砂平，然后用底漆两边封面，上面漆两遍即可。
另外可以运用浮雕面和平面同时交换，例如（大衣柜四个门，左右两边门用平面油漆，中间两扇门用浮雕面，床头柜和四屉柜可采用）这种油漆的变化也比较好。
为了利用Kronoply OSB板的原有机理，更丰富她的装饰性，拓宽运用。我通过长期不断的研究开发创意，用不同的色彩和手法创造出不同风格的彩色图板，用于不同装饰和造型。下面我就这些色板做一个设计理念和制作给大家解说应用范围。通过我的创作和体会给广大的同行提出我的建议。
有不少专业人士问我你能在板上做出这么多色彩这是什么颜色，因为油漆里没有这些色彩，一句话：动脑，动手。因我原先是搞美术的，对色彩性能比较清楚。我用过不少品种颜色做尝试都不理想。后来在广告色中找到了元素，因为广告色是水性，胶性，不怕阳光，不退色。不会通过油漆变色，有很强稳定性，而且调老粉，掺801胶，打磨，不粘板面木纹，所以在多次的运用中在各方面效果不错。同时马利牌到处都有，运用方便，这为我们做设计提供了空间。
她的步骤，先用你设计好的色彩用老粉，801胶水调和，批在板面上，干后用木砂砂去表面色，再用进口砂砂出木纹即可，在打砂的中途会产生不同的效果，凭你的灵感来定打磨的效果。
Kronoply OSB板用背景装饰用不同的材料组合就产生不同的艺术效果。
说明几个案例组合：
1. 用方块组合，用广告钉
2. 用条板排列的组合
3. 用搂空图案灯光组合
4. 用木雕嵌入板面组合
5. 用琉璃玻璃嵌入板面组合
6. 用石料和瓷砖等板面组合
7. 用余板片墙面组合
8. 用条板与墙面组合
9. 用仿古与现代墙纸组合
10. 用建筑结构的有机组合等
Kronoply OSB板在家装中地板的运用和变化：
通常我们目前采用的地板不论他的材质不同都是用条板，变化及其单一。（姑且不论目前的板稳定性）
Kronoply OSB板制作室内的地板同样可塑性相当强，我们可以用地砖的思路来考虑。人们不难发现OSB板就可显山显水。她不但能有丰富的变化，而且可以在同一地面分出不同区域变化及造型，这对现代的家庭无疑是一个设计空间。
她有条形、方格形、块面装饰形、地砖与木板组合形、玻璃与木板组合形；地毯式、区域式、休闲式，同时可以做楼梯踏板，无论做什么，她这块板你就看着办，问题在与如何运用。
Kronoply OSB板运用远不止这些领域和设计，我们通过这块板面的认识了解，她是一块赋予人们想象的时空。具有设计灵感的优秀板材，没有一块板材能有她那样富有我们的感情和创作激情！

著名观念艺术家、观念摄影家邱志杰如此描绘：“对既定空间的尊重与在经济限幅内空间的大胆切割、重构相结合；精致的生活品质要求与廉价装修结合，而廉价装修往往要求更精密的设计，这种有着千奇百怪的既定限制和特定目的任务，往往导致设计上的惊人巧思。”

摘自宋宇的博客                                                                                                                             http://blog.artron.net/space.php?uid=67347&do=blog&id=280789

 

应天津杨柳青画社之邀，出一本油画静物技法的画册，这是原稿的一部分，与大家分享。很多人问我的问题也可以在这里找到答案

 

2009年的3月的一个充满寒意的早春，我漫步在798艺术区，脑海里思考着下一幅作品的题材，太多的东西我想去表现，但要理出一些成型的思绪却是费心的。

我的所有作品都力求一种高格调，而格调是很难体现的，它是清高的，是婉约的，是含蓄的，画面是唯美的。格调是需要修养的，社会阅历，生活品质，眼界的宽广等等这都是必备的条件。通过静物来实现这样的格调是一件不容易的事情。

一个小商店里的东西突然吸引住了我，那是一个摆在角落里的瓶子，里面插了很多残荷，枯萎的大叶子穿插着很多姿态各异的莲蓬，感觉很有味道，那是一种逝去的清高的美丽，即使繁花已不见，但它整体的感觉传达给我一种难得的激动，那是一种气质，而它正是我要找寻的。

我把它拿到室外，拍了很多照片，但如果作为创作那还不够条件，于是我把它买了下来，回到工作室重新摆放由此而产生了这一幅《荷》。

 

静物顾名思义就是静止的，但是我要将它们赋予活力，让它们具有生命，利用它们来传达出我的情绪。在这个喧嚣匆忙的时代里，我还在用古典的语言诉说我的心灵。

 

我的构图基本上都是传统的，古典的金字塔式构图，我不需要将物体摆放得多么花哨，我通过稳稳地简单的构图形式，用统一和谐的色彩来传达出作品的感情。

 

我画风很细腻，通过这种表现达到我的追求。不过我有我的准则：“写实是一种手段，而不是目的。我是在画油画，而不想当摄影家。”

 

 

 1.         起稿。

我制作了一幅相对较大尺寸的画布（120 X 95 cm），因为荷本身高度比较高，尺寸太小会显得压抑，无法表现出它挺拔的身姿，没有气势。我把背景设计为盛开的荷塘，那意味着它逝去的光辉，从而形成一种今昔的对比，就像我们的生命，充满了人生的起伏跌宕，每个阶段都有着不同的辉煌，来年又会散发新的光芒。

 

我的作品一般要分成4个步骤，起稿后上色要画3遍。

 

构图的时候注意主体与画布的比例大小，不能将顶部画的太高，要留出一定空间，这样才能有空间和透气感，画面也会舒服。

 

先用铅笔起稿，再用褐色勾勒物体轮廓，也可施以简单的素描。背景用群青勾勒出大致轮廓，以便和主体加以区分。

 

1.         上第一遍色。

 

 

主体完成后开始画背景。

 

背景被设计成盛开的荷塘，源自一幅中国画，这样既能衬托出残荷的意境，又能符合我的风格，既带有中国古典文化内涵。

 

既然背景是作为衬托，而且所占画幅也是最大的，但也不能超出主体，所以画的时候要控制好色调和虚实，不能“抢”画面。

 

再次勾勒出荷塘的轮廓后，用中号的笔从最暗的部位开始铺色，要做到画的每笔颜色都要“足”，不能偷懒似的用大笔大面积铺，而要一小块一块的铺满。要有笔上的颜色很“浓”的感觉，少用松节油。

 

不必考虑颜色是否太厚，是否有笔触，是否画的“花”，尼龙笔的柔软的特性也不会起多明显的肌理。这个阶段只是为了铺底色，做气氛。

将所有背景铺完，不要将边缘画实，尽量有模糊效果。

 

第一遍这个时候就算完成了，画面会显得笔触色块都很“花”，这不要紧，本身这就是一个“丑小鸭”阶段。

 

这个阶段的局部黑白灰效果都不会反差很大，黑的黑不下去，白的白不起来，因为首先是浅色底子，而且仅仅是一遍颜色，各个部分都不可能做到很“足”。

 

总体已经完成了，耐心等待它的干燥吧。

 

第一遍绘制用了大概1周时间，等待它的干燥大概也需要1周左右，之后开始第2遍。

 

1.         上第2遍色。

 

等待多日后画布终于干了，这个时候开始画第2遍颜色。此阶段不画背景。

 

这遍的主要任务就是深入刻画，将物体的素描和色彩做到完美，但更细小的细节将在第3遍中完成。这遍主要用松节油加亚麻仁油，不用媒介剂，还是在原有基础上直接画。

 

这个阶段我用了大概半个月的时间。

 

我仍然是从最左上角的莲蓬开始画，这样不会担心支撑画布的手指蹭掉颜色。画的时候不用考虑下层颜色，心里就认为第一遍颜色不存在，该怎么画就怎么画，当画完的时候你就意识到下层颜料的作用了，它让你刚画上去的颜色一下就重了起来，画笔也感到很舒服，不会画“花”，这时候可以用“扫”的方式将笔触弄得很均，手感极佳。

 

用小号平头尼龙笔（部分细节用尖头笔）再次勾勒莲蓬的轮廓，同样从最暗的部位开始设色，尽量将颜色调和得与实物接近，这个时候你的颜色不用很鲜艳，略灰些，底层的第一遍鲜艳的颜色会透过来中和你刚上的颜色，产生一种微妙的韵律。而这个感觉是只画一遍的画法体现不出来的。

这是画完这枝莲蓬第2遍后的效果。

 

细节上的起伏的素描关系和色彩冷暖关系都已经确定好了，这个步骤几乎已经是完成的样子了，你还可以看到没有开始画的粗糙的背景。将莲蓬的边缘用背景色擦虚，模糊一些。

这枝莲蓬的位置在主体靠后的位置，所以应该相对较虚，空间关系要做到心里有数，不必过于深入，要符合前实后虚的基本原则。

 

画完暗部后用小画刀将暗部颜色轻轻刮掉，将底层色露出来，甚至能露出画布的纹理，这样就使新颜色和底层色融合在一起，又不会因暗部颜色过厚而显得“闷”，透明的效果就出现了，你会觉得暗部很透气，简单但又似乎有内容。

 

底层颜色由于已经干燥，所以吸油效果更强了，几乎看不到原色了，不去管它，继续勾勒轮廓继续深入塑造。

 

枯萎的荷叶颜色变化多端，几乎都是冷暖对比的灰红和灰绿，而它们又形成了一个整体有别于新鲜的荷叶。一般干枯的花束都会落上一层尘土，不要弄掉它们，它们会把全部的花朵都罩上一层灰色，这才更有枯萎沧桑的感觉。我也画过不少娇艳的鲜花，但远远没有干花这样的微妙的温润的色彩。

 

每天有计划的分别画每个部分，一块一块的深入，比如从一片叶子开始推着画，直到铺满整个画面。

 

陶罐是比较敦厚的质地，上面有很多的肌理，很抽象，开始看它的时候会无从下手，所以还是要从整体的素描色彩关系开始。

用“梵高”的深熟褐混合深翠绿开始画出最重的部位，再将浅熟褐与浅绿调和画过度反光色。这个时候要仔细观察罐子的纹理，横纹和裂纹要画出大致位置和素描关系。运笔这个时候就不是“擦”的方式了，要一笔一笔的“粘”着画，始终保持笔端颜色的浓度。具体的罐子细节要等到最后一遍了，那时候会用笔制作出一些抽象的小效果，而不是硬画出一摸一样的罐子肌理，是需要技巧的。

开始画桌布了。

 

我想大家一定会对着这样镂空的桌布头疼，其实它只是表面上比较复杂罢了，掌握好画它的方法就容易些了，不过还是要睁大你的眼睛捋清它们的规律。

 

首先你要明白的是在镂空白布下面还有一层物体，可能是桌子也可能是另外的台布，所以你要先画下面那层露出来的部分，不要顾及上层的白线花纹，这时候画面会很粗糙，甚至显得很笨拙，不去管它，定好底层暗色后再画上层的白布。

 

如图所示：我在第一遍颜色时就已经定好了下面那层东西，它是暗色的，与白布模糊地衔接在一起。下面就开始第2遍绘制了，用白色直接在暗色底上勾勒出白花纹，一定要明确每条纹路的走向，要严谨。

 

当花纹都用白色描好以后，用再次加重的深层色去“掏洞”，同时整理修改刚才描的白色，这个过程是严谨耗费精力的。“掏洞”的时候注意色彩变化，不是一块死黑色，要仔细观察明暗变化和虚实关系。

 

画花纹的时候注意起伏关系，有的白线是有厚度的，可以将边线提亮做出材质的厚度感。 

将主体所有的部位都认真画完第2遍，这个时候还没有进行背景的刻画。如果同时画背景及其有可能会被用来支撑画布手指头划掉色。

这个阶段主体基本上已经接近完成效果，局部的最细节的地方还没有刻画。等待干燥，准备最后一遍具体刻画。

 

1.         上第3遍色。

首先等待上遍颜色彻底干燥，而且颜色已经被吸油了，再次变得灰暗污浊，想进一步刻画根本无从下手。所以必须使用媒介剂了。

 

将媒介剂倒入容器中，只需要很少的几小滴足矣，用一枝干净的平头笔蘸一滴将它“擦”到你要画的部位，不要多，仅仅是你要画的那一块就可以了，用嘴吹吹，使之挥发一些，变得略黏稠即可，这时候你就可以继续上色了，你会发现它已经把过去的颜色恢复如初了，画的时候你会感觉到新的颜色很容易的就能与过去的颜色结合在一起。

 

 

第一遍颜色主要是为了确定画面整体色彩倾向。脑子里已经有了大致的想法，那就是要表现一种清高的气质，最适合的是冷色调。这遍颜色不用亚麻仁油，只用少量的松节油。

 

不要想着试图用一遍就能画深入画细致，那是不可能有好效果的。我见过有的人急功近利一遍就画的很细致，可丧失了凝重感，更没有颜色层层渗透过来的微妙韵味，而且颜色及其容易剥落。我的画法是需要有耐心的，是有步骤性的，一定要严谨，对作品负责。

 

画颜色暗的地方不要试图一次就能画的很深，在这样浅色底子上是不可能的；也不要试图画的很均没有笔触，没必要，也不可能。

 

我在绘画过程中基本上不使用黑色，我在暗部追求一种透明的效果，而这暗部的颜色画的不能“闷”，要有颜色。比如你看到的是很深的黑色暗部，那么建议你用“梵高”的群青加“梵高”的深紫色来调和，出来的是一种蓝紫色，在未来的第2遍上色时在同一个部位再用这种蓝紫色，你就发现它变得很深了，而且很透明很有味道。尝试一下吧，会出乎你的意料的。

要有整体的意识，不要开始就从一点着手，要全局观察，铺颜色也是如此。画画这里再画画那里，这样能帮助你把控画面整体的冷暖和素描关系。

 

 

 

从深色的暗部入手，注意素描。不要过多考虑物体的细节，比如枝脉和微小的起伏等等。莲蓬的杆子铺设一层简单的熟褐色即可，这样既明确了主体的定位和颜色倾向也为未来第2遍打好了基础，这遍颜色会微妙的透出来，达到色彩的凝重效果。

 

物体的受光部分我一般都会画出比那里略深的颜色，这同样是为了未来提亮做准备。如果你想继续深入的话，那么就先画暗一些，不然你就会发现给你深入的空间少了很多，没有余地了。而且有一个常识，在本来就亮的地方上去画深色是比较费劲的，但是在深色上提亮是容易的。

 

这遍的颜色倾向可以画的“过”一些，鲜艳一些，不用考虑过多它们是否被你画得很花哨，这遍颜色有它的使命，完全是为了第2遍打基础。

 

我没有选择原本的花瓶，它是草编的，缺少体积和凝重感，也太工艺品味了。我换了一个风尘斑斑的陶罐。

 

一般瓶子的暗部是不容易画的，主要是颜色不容易画透明，画不好及其容易画脏。

 

选择“梵高”的熟褐色混合草绿色会很透明。用这种混合色开始画常规的暗部，过度到亮部的时候稍加群青与白色，在最暗部的地方用更深一号的熟褐色混合翠绿。

 

同样不要考虑罐子上的细节，就和平时写生一样用大色块铺满。铺颜色的时候使笔的方式有讲究，要用“擦”的方法，少用松节油，当然这样会使你的笔很干涩，不过要有耐心，克服一下，至少要比它未来掉色要好吧。

 

尽量将颜色铺到位，不要留空隙，不要露出画布即可。

画面的黑白灰效果是很重要的，所以我选择铺设了一块常见的镂空白色桌布，使之成为“白”的元素。同时镂空的花纹会使细节上有出彩的效果，当然这样的布画起来是废一些精力的。

 

首先描绘出花纹的位置和走向，再用熟褐色（仅限此幅画）涂出白布下面那层的暗色投影，作为基础色，以便将来再在上面勾勒白丝线。既先画下面的，再画上面的。

 

用白色混合群青与少许熟褐来铺白布的基础色，形成冷浅灰色，为将来提亮做准备。注意素描关系，将白布与暗部颜色衔接在一起，涂出模糊效果，避免生硬。

在绘画的过程中联带着要画出边缘效果，这点相当重要。

 

当最终完成作品的时候你会发现物体的边缘有的部位是虚的，是模糊的，这才能有空气感，会显得很自然，而不是直接画上去的生硬的僵死的边缘，所以必须在第一遍的时候就要提前做处理了。

 

趁主体颜色未干的时候，用背景色与主体边缘一起画，不用画很多，有一些就可以了。用“擦”和“揉”的笔法将两个物体结合起来。在未来画第2遍的时候（用比第一遍颜色更浅些的颜色）就可以在这个边缘故意留一些第一遍色，这样就出现了阶梯性质的层次，就出现了边缘模糊地效果。

刚入手的ipod nano

平静的心情，没有激动的时候，没有悲伤的时候，或许就像活死人似的！

对媚俗与媚雅的双重戳穿 On the Gaudy and the Tawdry;A Double Exposure

                                                                       ——皮力